Artists
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AKET
Aket（Aket Kubicとしても知られる）は、幼少期から独学で学んできたフランスの画家です。彼は最初、コミックやグラフィティに影響を受けましたが、現在の主なインスピレーションはキュビズムから来ています。また、CombasやBasquiatの作品も評価しています。 グラフィティを初めて描き始めた頃から、Aketは常に「AKET」という名前で作品にサインをしていました。彼がこの名前で作品にサインをし始めたのは10年後のことで、現在ではこれが彼のシグネチャーとなっています。 時間が経つにつれて、Aketのスタイルは進化し、顔の要素や形を増やし、特徴や線を強調する解体された肖像画を含むようになりました。彼の作品はPicassoやCondoのようなキュビストの画家に大きく影響を受けており、顔を遊び心のある方法で形作り、抽象的でありながら具象的でもあり、常にキュービックな要素を持っています。 彼の作品では、Aketは日常生活や音楽からインスピレーションを得て、フランスのジョークや機知に富んだ戦いを用いて、昔の凍りついた世界を再現するのが好きです。彼はビストロのシーンから音楽家まで、人々の多面的な側面を表現するのを楽しんでいます。彼の絵画の黒い線は、顔の異なる複雑な形を強調しています。 現在、Aketは屋内外でライフスタイルのシーンを描くことに専念しています。彼の最終段階は、日常のシーンや行動の表現に命を吹き込み、作品に動きとエネルギーをもたらすことです。 フランスのアーティストAketは、2023年のコカ・コーラのコマーシャル「Masterpiece」に出演しました。 Aketのインタビュー Aketの絵画「Divine Idyll」が登場するコカ・コーラのコマーシャル「Masterpiece」
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M.クール
M.クールはユーモアがあり、明るい色が大好きです。彼の絵画と探求への情熱は、スタジオでのキャンバス上での創作と、都市、荒れ地、または荒野での壁での創作との間で傾いています… 彼は自分の経験とアイデアをシンプルで詳細な画像で表現しています。技法や道具を常に探求し、絵を描くときに自分自身に制限を課すことはありません。彼は偶然に驚かされるのと同じくらい自分の考えに従うのが好きです。自分がすぐに理解して見て楽しむことができる、気持ちの良いものを伝えることが彼の主な目標です。さらに、人生を明るい面から見るよう人々に伝えること。 インスタグラム公式サイトTIKTOK FACEBOOKピンタレスト
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M.チャット
M. チャット (ムッシュー チャットやミスター チャットとしても知られる) は、1997 年にフランスのオルレアンで最初に出現した落書き猫の名前です。この落書きは煙突に最も頻繁に現れましたが、駅のホームなど他の場所でも目撃されました。そして政治集会でも。このアーティストは当初匿名でしたが、2007 年にトーマ ヴィルが猫の創作活動に巻き込まれたことが発覚しました。 黄色い漫画の猫は、大きなチェシャ猫の笑顔と体が特徴です。猫は走っているポーズで描かれることが最も多いが、信号旗を振ったり、ボールの上で跳ねたり、天使の羽を付けたり、駅の入り口で手を振って挨拶したりする姿もさまざまに描かれている。小さな文字で「M.Chat」というタグが付いていることもあります。 映画製作者のクリス・マルケルによる2004年のドキュメンタリー『Chats perchés...
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Onemizer
Onemizerは1987年にフランス南部で生まれました。彼は幼少期の一部をアフリカで過ごし、そこで初めてアートに出会い、水彩画を発見しました。 ティーンエイジャーとしてフランスに戻った彼は、両親と一緒にパリを散策する中でパリのグラフィティを知りました。 高速道路の端やパリの地下鉄は彼にとって本物の美術館です。この本物の一目惚れは、彼を空き地や鉄道、廃倉庫を調査し、壁に絵を描いてスキルを向上させるように駆り立てました。高校卒業後、彼はデザイン学校に入学して美術の勉強を始めることを決意しましたが、自分自身の道を進むことを好みました。 少しずつ、彼は壁からキャンバスへと移行し、周囲の人々に押されて、彼の作品を見せ始め、豪華なホテル、レストラン、バーなどで絵画を展示するようになりました。 その後、彼はボルドー周辺やパリ地域で最初の展示会を開催しました。 彼のストリートでの始まりから多くのことが成し遂げられ、現在では多くの国際的なアートギャラリー（パリ、クールシュヴェル、メジェーヴ、カンヌ、シンガポール、ロンドン、アムステルダム、ドバイ、マイアミ、東京など）で展示を行っています。 Onemizerは、2014年11月にドバイで行われたキャンバス上での最大のグラフィティの世界記録に、他の100人の国際的なアーティストと共に参加し、ギネスブックに掲載されることが確認されました。
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Remco Schakelaar
レムコ・テケナール・シャケラール：情熱と正確さの肖像on 1988 年にズヴォレ (オランダ) で生まれたレムコ シャケラールのアートへの情熱は、彼の最も古い記憶にまで遡ることができます。彼は幼い頃から、自分を魅了するものすべてを描きたいという強い衝動を感じていました。生来の才能を持つシャケラールは独学であり、正式な訓練を受けずに独自のスタイルを確立しました。 彼の作品は、乱雑だが正確であるとよく評され、混沌とした色の飛沫と細心の注意を払った線画との間の顕著なコントラストを示しています。このコントラストは、一見相反する要素を調和のとれた構成にブレンドする彼の熟練したテクニックを示しています。この二重性、無秩序と細部の融合が、彼の独特の芸術的な声のバックボーンとして機能します。e. シャケラーにとって、ゲームは単なる娯楽ではなく、強迫観念であり、彼の作品のタペストリーに深く織り込まれたテーマです。彼のアクリル作品は、それぞれ彼の心に共鳴したデジタルの物語やキャラクターへのオマージュであり、見る人を幻想的な世界と懐かしい思い出へと誘います。アクリルの速乾性を好む彼は、勢いよくキャンバスを重ねていき、すべての作品に深みと強度を与えています。. 彼の芸術へのアプローチは自発的かつ直感的です。シャケラーは、下絵を描くことなく、思い描いたカラーパレットだけを頼りに、キャンバスに直接飛び込みます。雰囲気がちょうどいいと感じて初めて、彼は決定的な線画に着手し、想像上の世界を細心の注意を払って描写します。 多くの人にとって、シャケラーの絵画は、内なるオタクを楽しく祝うものです。これらは、最愛のゲーム キャラクターと彼らが抱く思い出を芸術的に表現しています。彼の作品を通じて、彼は視聴者が彼が感じているのと同じ喜びを体験し、高度な芸術と大切なゲームの伝説の領域を橋渡しできることを望んでいます。. 今後に向けて、シャケラー氏の野心はシンプルだが奥深いものである。それは、自分の好きなことをやり続けることである。情熱、正確さ、遊びを組み合わせて、彼は独自のニッチな領域を切り開きました。
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SOS
SOSはフィレンツェ生まれのイタリア人アーティストで、フィレンツェとウルビーノで学びました。卒業後、アーティストはミラノ、フィレンツェ、ローマ、ナポリなどのさまざまな都市に住み、働いていました。 現在、SOS はローマを拠点にスタジオとストリートの両方で活動しています。アーティストは壁に絵を描いたり、世界中のポスターやステッカーを貼り付けたり、ワイヤーや木材などのリサイクル素材から彫刻を作るのが大好きです.スタジオでは、SOS はインスタレーションに取り組んでおり、新しいソリューションを頻繁に探し、新しい素材や色も試しています。 昨年、SOS はナポリ、ブカレスト、ローマ、ポルト、ロンドン、ベルリン、サセナージュ、サン ドニ ド ロテルでさまざまな国際共同プロジェクトに参加しました。 SOS のキャラクターは、感情や気持ちを伝えるために高度に様式化されています。人間化された花である都会のヒナギクは、非常に代表的です。 SOS...
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きこ
マヌエル・フェルナンデス、別名 KiKo は、1985 年にプロヴァンスのヴェネツィアとして知られるマルセイユ近郊の町、マルティーグで生まれたフランス人アーティストです。地中海の色彩、特に彼の作品の多くに存在するこの燃えるようなオレンジは、そこからインスピレーションを受けています。. KiKo は昔から絵を描くことが好きでした。子供の頃、人々は彼にとって絵を描くことは息をするのと同じくらい簡単だったと言いました。言葉では言い表せない感情を、しっかりとした一本の線で描きました。学校では美術の授業にしか興味がなかったので、彼の進路はすでに決まっているようでした。しかし、海、特にマグロ漁が初恋だったこの船員一家では、芸術が話題になることはありませんでした。 KiKo さんは幼い頃から、ポール ヴァンドルに停泊する長さ 30 メートルの海の巨人、家族経営のマグロ船に乗り、鉛筆を漁網と交換していました。船を放棄するわけにはいかないのです！大人になってからは、マグロが生息する魚の岸辺を漁りながら何ヶ月も海で過ごした。そこで彼は、規律、立ち直り、チームワーク、恐怖をコントロールする方法、眠らずに過ごす方法、一人になる方法を学びました。この厳しい船員生活と、常に自分を牽制し続ける海から逃れるために、KiKo は、時間の止まった子供時代が彼のすべての作品にインスピレーションを与える想像上の世界を創り出しました。...
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アルセーヌ・ラピエ
アルセーヌ・ラピエ（トーマス・G）は、1984年にフランスのルーベで生まれた独学のフランス人アーティストです。幼い頃から、絵を描くこと、ストリート カルチャー、ヒップホップ ムーブメントに強い関心を抱いていました。当然のことながら、10代の頃、2000 年代初頭にグラフィティの世界に足を踏み入れ、2016 年までこの分野で活躍し続けました。 家庭の事情で自分の情熱と両立できなくなり、しばらく引きこもっていた時期がありましたが、2020年に再び絵を描き始めました。それは、自分と再びつながりたいという欲求と、ずっと続くフラストレーションに突き動かされたからです。言葉遊びと、アルセーヌ・ルパン（モーリス・ルブランの「泥棒紳士」）とカササギの外見の類似性、そしてそのよく知られた評判にインスピレーションを得て、魅力的なアンチヒーローのような態度の鳥の最初のバージョンを創作しました。これらの最初のアイデアは、アーティストのアイデンティティを反映した対照的な世界の基盤を築きました。 グラフィティ、特にタギングは彼に多大な影響を与えましたが、彼の日常生活ではもはや夜の街を冒険する余裕はありません。それでも、キャラクターを作り上げながら、血管にインクが流れているかのように、アーティストはすぐに、タギングと描画を融合させた署名と組み合わせることを思いつきました。この署名は、鳥、名前、シルクハット、スーツ、杖、片眼鏡など、彼が作り上げていたキャラクターの特徴をすべて取り入れたロゴへと進化しました。 このキャラクターの外見は泥棒のカラスとモーリス・ルブランのヒーローをミックスしたような感じだが、そのおどけた行動や（失敗に終わった）冒険は、アーティストの鉛筆によって命を吹き込まれた風変わりな鳥の個性を反映している。面白く、悪ふざけ好きで、不運で、時には滑稽でさえあるアルセーヌ・ラピエは、20 世紀初頭にインスピレーションを受けた洗練された線と、より暗く都会的で現代的な雰囲気の間を行き来するユーモラスなキャラクターである。この融合は、彼が生まれたグラフィティ カルチャーと、彼が大切にしているルーベの街路の黄金時代の魅力を結び付けている。 これまでの技術的な経験と独特のコントラストの世界を活かして、このアーティストはリール都市圏の街頭ですぐに認知されるようになりました。このキャラクターを創造することで、視覚的に認識できるアイデンティティを維持しながら、より精巧なストーリーを伝えることが可能になりました。 もはやグラフィティのコードに縛られることなく、このアーティストはあらゆる素材や経験を取り入れて、遊び心を持って自分の世界を豊かにしています。アルセーヌ・ラピエの作品は、コラージュ、ステンシル、壁画、青写真、さらには写真など、さまざまな媒体や技法で表現されています。...
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アレクサンドル・モンテイロ (ホパレ)
1989 年にパリ中心部で生まれたアレクサンドル モンテイロは、ホパレとしてよく知られ、ストリート アートの世界で上昇中の著名人として知られています。 12 歳のとき、落書きだらけの工場との偶然の出会いが彼のストリート アートへの情熱に火をつけ、最初の違法なストロークを描くことになりました。 2005 年、中学生だった彼は、美術教師で高名なフランスのストリート アーティスト、シャカと運命的に出会いました。師と弟子との絆は非常に深かったため、ホパレは休み時間と引き換えにシャカの指導の下でスキルを発揮することがよくありました。 この献身はわずか 1...
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アレック・モノポリー
「アレック・モノポリー」は、ニューヨーク市出身の正体不明のグラフィティ・アーティストの別名です。アーティストは、ニューヨーク、マイアミ、ロサンゼルス、ヨーロッパ、そしてアジア全体の都市環境で、さまざまな素材 (ステンシル、スプレー塗料、エポキシ、ワニス、新聞など) を使用して、さまざまな象徴的なポップ カルチャーのキャラクターを破壊的に描写してきました。アレック・モノポリーは、芸術家である母親から学んだことが彼の芸術的起源であると述べています。アレックと彼の作品は、無数のアートに加えて、ウォール ストリート ジャーナル、ロンドン タイムズ、ニューヨーク ポスト、ローリング ストーン、プレイボーイ マガジン、ビルボード マガジン、バイブ、ハフィントン ポスト、コンプレックス...
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アレッサンドロ・パグリア
イタリアのデザインの首都ミラノ出身のアレッサンドロ・パリアは、美術、デザイン、ファッション、映画、写真など、最も古典的な色の組み合わせである黒と白の純粋な優雅なシンプルさに常に魅了されてきました。製品デザインの教育とバックグラウンドを持ち、その分野で 10 年以上の経験を持つアレッサンドロは、「私は物、特にその美学、質感、素材、ボリュームに魅了されます。物が語る物語、個性、作り手の創意工夫、隠された世界にインスピレーションを感じます。ある時点で、この 2 つの情熱を組み合わせなければならないと感じました。 」と述べています。この融合の結果が、彼の並外れた芸術作品です。 鉛筆画 私は常に実物に忠実な作品に魅了されてきましたが、同時に、周りで目にする題材や技法の種類の少なさ、油絵や風景画、花の多さにがっかりしていました。ミラノでプロダクト デザインを学び、その分野で 10 年間の経験を積んだ私にとって、オブジェ、特にその美学、質感、素材、ボリュームは魅力的です。オブジェが伝える物語、個性、制作者の創意工夫、隠れた世界にインスピレーションを感じます。ある時点で、この 2...
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アントワーヌ・リヴィエール
アントワーヌ・リヴィエールは、1983年にフランスのパ・ド・カレーで生まれ、ストリートポップアート運動の中心的存在です。最初はグラフィティの世界に没頭し、リヴィエールの初期作品は若者文化の生き生きとした表現で、都市の風景にスプレーで描かれていました。 ストリートからキャンバスへの移行は、リヴィエールが現在住んでいて、芸術的スタイルを進化させ続けているリールへの移動によって印象づけられました。 幼少期の漫画シリーズから深いインスピレーションを受けて、リヴィエールの作品は、主に際立つ白黒のパレットを用いた緻密なディテールで特徴付けられています。彼のキャンバスは、懐かしさと新しさが融合した現代的な作品であり、馴染みのあるテーマに新しい視点を提供しています。 時間の経過とともに、彼は抽象芸術とポップアートの要素を統合した大規模な作品を含むレパートリーを拡大し、創造物の中でダイナミックなエネルギーを追求しています。リヴィエールの作品は、ヨーロッパやアメリカ合衆国で認知され、地域を超えた境界を越えています。 彼の展示会は、ストリートアートと伝統的なキャンバス絵画の本質を捉えた独自の技法とテーマの融合を示しており、熱心なストリートアート愛好家から経験豊富なアートコレクターまで幅広い観客に訴求しています。 リヴィエールは、新しい芸術表現を探求し続け、革新的なアプローチで現代アートシーンに影響を与え続けています。
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アーロ・シンクレア
Arlo Sinclairはイギリスを拠点とし、旧式のテクノロジーに夢中です。彼自身のフロッピーディスクや周辺機器のコレクションはかなりのものです。 彼は絵画を通じてデータストレージのより風変わりな側面を探求しています。 Arloはキャンバスの筆跡をユーモアのバイトとして見ており、各作品は隠された意味が詰まったディスクとして捉えています。 彼の作品は単なるデジタルストレージへのオマージュではなく、バイナリワールドが筆と出会う場所であり、彼が描く使われなくなったテクノロジーの一つ一つに刻まれた小さなメッセージがあります。 Japanese "ウェルカム！新しいコレクションをチェックしてください。"私の作品は、デジタルストレージ（およびその中に含まれるデータ）の機能美へのオマージュです...それぞれに軽快なひねりが加えられています。Japanese "ウェルカム！新しいコレクションをチェックしてください。" ようこそ、ここはコードと色が出会い、データがユーモアと踊るピクセルの世界へ。
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イアン・ベルトルッチ
イアン・ベルトルッチ:イタリアのフォトリアリスティックな輝きイタリア出身のイアン ベルトルッチは、カララにある評判の高い美術アカデミーで技術を習得し、絵画とビジュアル アートの専攻を取得して 2019 年に卒業しました。ベルトルッチは、星、恐竜、ハートなどの形をしたグミベアや風船などの日常の物体を驚くほど詳細に描写するトレードマークの超写実的な油絵で大きな注目を集めています。彼の芸術性の活力は、彼が使用する豊かで明るい色、光と影の劇的な相互作用、そして顕著なコントラストに明らかです。これらの要素は、被写体に命を吹き込むだけでなく、キャンバス上に彫刻し、見る人に現実性を疑わせる立体感を実現します。リズムと繰り返しが彼の作品の主要なテーマとして現れ、深く根付いた個人的な共鳴を反映しています。現在、ベルトルッチの興味は流体、反射性、半透明の素材の研究に傾いており、その興味はクマのグミの輝きや質感、風船の光沢を捉える方法に明らかです。彼の多様なカラーパレットは、そのデザインにおいて戦略的であり、最初は見る人を驚かせ、その後、彼の作品の複雑な詳細を発見するように引き込みます。彼はしばしば特定の主題を再考し、強迫観念に近い形で、さまざまな光と視点の下でそれらを提示します。彼は次のように説明します。「私の反復傾向は、私の神経の多様性に根ざしています。そのような儀式は、私の中に根深いニーズを満たします。私は、芸術が、特殊な神経構造を持つ人々にとっての治療手段となり得ることを発見しました。同じ主題を再訪することで、私は空間、光、色を探求し、本質への焦点を失うことなく深みを実現するための構造化されたキャンバスを与えられています。」 」
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イェカ・ハスキ
イェカ・ハスキ（1988年生まれ）は、東京を拠点とするビジュアルアーティストで、喜びと子供のような驚きを呼び起こす、鮮やかでダイナミックな色彩と流動的な形で知られています。彼女の作品は、想像力、夢、そして恐れを知らない探求を体現するウサギのようなキャラクター、ミチを中心に展開しています。イェカの作品は現実とファンタジーを橋渡しし、創造性と人生のシンプルな喜びを讃えています。 彼女の幅広いポートフォリオには、米国、日本、韓国、ヨーロッパなど世界中での個展やグループ展、Google Japan、Adobe Japan、Reebok などのブランドとのコラボレーションが含まれています。Yeka は、世界中で 300 万回以上視聴されている子供向けアニメシリーズ「Sonya from Toastville」のクリエイター兼リードデザイナーでもあります。
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イストレイユ
Istraille は幼い頃から芸術の世界に足を踏み入れ、17 歳で見習いを始めました。 落書きは、壁に拡散するという実践の非常に早い時期に登場します。彼がナントの私立応用芸術高校に入学したのは自然な流れだった。 彼の才能は時間の経過とともに開花し、さまざまなテクニックやサポートを使用してテクニックも向上します。最初の鉛筆スケッチは、アーティスト Istraille の絵画の基礎となっています。 これらの鉛筆の線は、アクリルのタッチで形作られます。 アーティストは身体のダイナミクスを利用しており、その努力とスタイルが彼の絵画に伝わってきます。 Istraille はダンサーたちと一つになり、ダンスの歴史とスタイルを彼らに伝えようと努めています。
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インフルエンザ
フランスの画家、フルー フランス南西部出身のフランス人アーティスト、フルーは、若い頃から漫画に熱中していました。彼は空想上のキャラクターを創造し、命を吹き込みました。彼の学校のノートは、1 ページまるごと絵で埋め尽くされ、その 1 つ 1 つが彼独自の芸術的ビジョンで表現されていました。これらの初期のスケッチを通して、フルーは芸術の中に自由を見出したのです。 10代の頃、彼はグラフィティに出会い、スプレーペイント、マーカー、アクリル、ドリップスティック、ステンシルの世界に飛び込みました。彼は、アメリカから伝わったヒップホップ文化に深く影響を受けました。彼が最初に描いた表面は、家からそれほど遠くない場所、廃墟、公園のベンチ、電車などでした。 フルーはその後、自動車塗装の勉強を続け、資格を取得しました。家族から常に新しいものを作るように励まされ、パレットの木材や石油樽など、型にはまらない素材を使って塗装に全力を注ぎました。 アートは、フルーにとって創造的な衝動を表現するのに最適な手段となりました。彼はキャンバスやその他の表面に絵を描き始め、アンディ・ウォーホル、ロイ・リキテンスタイン、バンクシー、ロメロ・ブリットなどのポップアートの象徴、そして日常生活や活気あるストリートアートシーンからインスピレーションを得ました。彼の作品は多様で意外なテーマに及び、それぞれの作品は彼の絶え間ない進化と改革を反映しています。フルーの特徴的なスタイルは、深い芸術的表現と楽しい色の爆発を融合したもので、大胆で鮮やかな色調を特徴とすることが多いです。
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ウジェーヌ・バリケード
ウジェーヌ・バリケードは1966年パリ生まれ。 16 歳のときにデッサンの先生に見出され、小学校を中退し、パリの Rue Madame School でグラフィック アートを 3 年間学びました。日中、彼は通常、集中して学び、学べることはすべて把握していました。スプレーガン、タイポグラフィー、遠近法、美術史の授業が彼の日課になっていますが、夜はパリの地下でアートを練習し、お気に入りの場所としてカタコンベを選びました。彼の最初のタグと最初のグラフィティ作品は啓示でした!すぐに、彼はまだパリの通りで目にする古い芸術家の作品に魅了されました。 Mistic、Blek le...
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エア 1 ダク
フレデリック «AIR» グティエレスは、1972 年にクリシーで生まれました。12 歳のとき、テレビで HIPHOP が放送されたとき、彼はすぐにヒップホップに興味を持ちました。ヒップホップは、音楽、ダンス、グラフィティを組み合わせた米国の新しい文化です。 1986 年、彼は街路、バス、電車、鉄道、そしてパリの地下鉄まで、自分の環境でアートを制作し始めました。昼も夜も、彼にはすべてが届くようです。彼はこの発見、インクの透明効果、さまざまな表面への塗料のオーバーレイに魅了されています。パリ・サンラザールラインを担当したDARCOやSCALEなどフランスのパイオニアにインスパイアされています。それはすぐに中毒になり、新しい媒体を絶えず探し求めます。 フランスでは、これらは新しい芸術的傾向の始まりです。ライバルギャング同士の衝突や警察官との追跡など、非常に激しい時期でもあります。 2年後、彼はニューヨークのグラフィティの「メッカ」へと旅立ちました。彼は自分がしていることを理解する必要があると感じました。それでも、彼は自分が何をしているのかわからなかった。このイニシエーションの旅は、他の人に刺激を与えます。彼は彼の「父親」と会って分かち合うことで成長するでしょう...ロンドン、ミュンヘン、アムステルダム、モントリオール、ブリュッセル、ヒップホップとグラフィティはどこにでもあります。彼の絵は、出会いと旅を経て進化していきます。 1991...
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オーティスト
絵を描くことは、私にとっての武器であり、選択した武器です。 Otistは、Isère出身の献身的なアーティストでステンシルの達人です。彼は自分の正体を隠すことを好みます。顔を隠し、本名を明かさないにもかかわらず、このIsère出身の家族を持つ男性は、ステンシル作品で認知されています。 展示会で彼の作品が展示されていることがその評価の証拠であり、通常は街の壁を飾る作品が、8月14日までポン＝ド＝クレのメゾン・デ・ゾシアシオンでより小さな形式で展示されています。 展示会は、5月26日にグルノーブルで始まる第9回ストリートアートフェスティバルの前座として機能します。メトロポリタンエリアの10のパートナーシティ全体で展開されます。 重要なのは、私が伝えたいメッセージです。 社会と環境の問題を推進 Otistは、自らのアートを怒りのメガホンとして活用するアーティストの中で際立っています。社会の不正義、環境問題、大企業の利益追求に取り組みながら、Otistは「私たちの周りで起こっていることを描写し、意識を喚起し、考えを刺激し、議論を始める...そして楽しんでください！彼は共有します。 アーティストは自分のガレージでステンシルを作成し、それらをツールとして使用して挑戦し、コミュニケーションを図っています。
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カティア・フェラーリ
「自由なくして芸術なし…」アルベール・カミュのこの言葉は、彼女の哲学かもしれません。 人生を愛する彼女は、ネオ ポップ カルチャーやストリート アートの影響を受けた自由な動きと独立性にインスピレーションを得ています。 具象と抽象の間で、彼女の楽しい世界には限界がありません。彼女は色、サポート、素材で踊るのが好きです。 Katia Ferrari は、アクリル、インク、コラージュ、チャコール、エポキシ、ボディワーク ワニス、蛍光処理など、あるキャンバスから別のキャンバスへの技法の混合を楽しんでいます。 彼女は、彼女の豊かなエネルギーにあなたを引き寄せる明るい芸術的アプローチを肯定する強いバイアスを持っています. 印象的な色、蒸気のようなポートレート、エロティックな雰囲気、ずらしたフレーミング、ユーモアに彩られたシーン。彼女は範囲から外れて、官能的で恥ずかしがらない幸せにあなたを招待するのが好きです....
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カルメン・カルペナ
カルメン・カルペナはメキシコで生まれ育ったアーティストで、アートと絵画への情熱は残念ながら置きざりにしなければなりませんでした。経済が苦しい国に住んでいた彼女は、将来を確保するために異なるキャリアを学ぶようアドバイスされました。しかし、彼女は神が彼女の前に置いた道をたどる決意をし、大学を卒業した後、アメリカに移住して家族を育てることに全力を注ぎました。 たった8年前、非常に親しい家族が亡くなった悲劇が彼女の心に触れ、痛みに対処しようと鉛筆と紙を手に取るきっかけとなりました。天使の翼を持つ大切な従兄弟を描くことが、彼女の悲しみの治療法となりました。SNSに投稿された「今日は神と一緒に翼を試してみる日」と題された作品は、彼女の仲間の間で認識され、絵画を続けるきっかけとなりました。 短期間のうちに、彼女の作品はさまざまなアートショーとギャラリーで見つけることができました。最初はリアリズムに惹かれ、油絵やアクリル画でリアルな絵画を制作していましたが、後に抽象スタイルで自由を見出し、ランダムなカオスなパターンで構成された作品を制作しました。そこには、カオスと色彩のバランスを見出し、美しさと論理が共存していると感じました。
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カロール・ベリュリエ
Carole Bélurier Art
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グラウク
Julien Leclercq、通称Glauc'は、フランス北部出身のドローイングイラストレーターです。独学で、写真（Glauc'Homeのペンネームで）を実践することで芸術的に表現を始め、その後再び初恋であるドローイングに戻りました。 彼は、グラファイト、アクリル絵の具、インディアンインクといった好きな素材を組み合わせて、さまざまなサポート上で作品を創造し実現しています。彼は、主題に立体感を与えるためにコラージュやアンティークのカスタマイズに挑戦することも珍しくありません。 ポップカルチャーに情熱を注ぎ、定期的に敬意を表す彼は、自身の子供時代の思い出や現在の出来事の経験からインスピレーションを得ています。 Glauc'のキャラクターたちは、周囲の世界の悲観主義に目を閉じ、観客に積極的であり、暗闇の後ろにある「ものではないもの」、陰鬱の後ろにある色を見るよう促しています。
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コウカ・ンタディ
コウカは1981年パリ生まれのフランコ・コンゴの画家です。表現主義の画家フランシス・グルーバーの孫で、2000年に美術学校を卒業しました。彼はストリートでもカンバスでも、常に自分のルーツと向き合い続けています。さまざまな形式の肖像画を使用して、コウカは人間とアイデンティティの本質を中心に研究テーマを展開しています。 彼の作品は、不完全さ、不正確さ、滴りを自発的に明らかにするジェスチャーの表現力と自発性によって特徴付けられます。彼の絵は、グラフィティ コードで遊んで、イメージのステータスに関する彼の探求の核心に触れています。 彼の最初の特異な都市の印象を残した有名な「Bantu Warriors」以来、彼は世界のような公共空間が誰のものでもないことを思い出すことをやめませんでした。 肖像画にほとんど強迫観念的な作品で自分自身を主張し、彼は芸術家の顔と観客との間にベールを作成し、観客は保護と思考のベクトルになります。文字を書くためのスペースとその力を作るために、図形が消えてしまうこともあります。言葉の強さだけが表現された白い面となる。不明瞭、判読不能、謎めいた言語はもはや識別されず、言葉は普遍性への回帰のように記号に変わります。ナデージュ・ビュフ (Galerie Taglialatella) 写真: ©Cyril Boixel/モントレッソ財団 インスタグラム公式サイト...
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ココクリコ
Maxime Giaquintoは、幼い頃から絵を描くフランス人アーティストです。彼はいたるところにインスピレーションを見出し、それはもう彼を離れることはありません。 彼は若い頃、通りのビデオクラブに通っていました。彼は主に兄と一緒にホラー映画を見ました。彼が 1979 年のエイリアン映画を見ている間、彼は主にエイリアンの HR ギーガー デザインのおかげで、彼の最初のビジュアル チョックを手に入れました。この才能ある舞台美術家は、生物学者のエルンスト・ヘッケルと同様に、マキシムの作品に影響を与えました。彼のイラストやアートワークにおける彼の線の正確さは、今でも彼を魅了しています。さらに、彼は Tex Avery の...
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コボ
1981年生まれ、cOboはストリートアートとポップアートの自由なアーティストです。 この独学のアーティストは、絵画、ステンシル、コラージュ、彫刻、写真、そして「カスタマイズ」を使い分けています。 彼の作品は、彼の青春時代に重要な役割を果たしたスーパーヒーローやカートゥーンの世界からインスピレーションを受け、歴史的な記念物、アスリート、俳優、音楽アーティストなどを風刺的に表現しています。彼の作品は、文化と風刺を組み合わせ、彼のインスピレーションがあるキャンバス上で、他の多様なサポートが彼のアートを助けています。 彼の師匠であるBandi、C215、Nilko、Easy、Dali、Toulouse Lautrec...は、彼の感情を引き出し、彼に絵画の古典的なルールからの自由を与えました。 彼の様々な顔の技術へのアプローチは年月を経て発展し、cOboは自分がマスターしたことに囚われることはないと考えています。 2014年、cOboはタルンを離れ、オート＝サヴォワ県に移り住み、気候と友人たちとの物理的な切断が彼を芸術に導き、それまで控えめだった認識された芸術的な螺旋に押し上げました。その後、スターリングホテル、ジュネーブのネクストドアなど、多くの展示会が続きました。 故郷であるアルビに非常に近いcOboは、子供たちに自分の情熱と芸術の表現を伝えるために展示会やワークショップを提供しています。 彼は作品を展示しながら自分の技術を提案することで、共有の素晴らしい瞬間を提供しています。地域や国際的なコミットメントを超えることなく、パートナーシップが計画されています。
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サックス（ヘンリー・ブラシュ）
ヘンリー・ブラシュ（別名サックス）は、パリを拠点とする南フランス出身のフランス人ストリートアーティストです。 派手な色彩で描かれた動物の絵は瞬く間に人々の注目を集め、世界中の絶滅危惧種の状況に関して新たな環境警告をもたらした。 1995年にプロヴァンスで生まれ、自然に近い環境で育ち、暮らした土地の色彩や豊かな風景からインスピレーションを得ています。 彼の本能的で自発的な絵画技法は、感情や気持ちの表現を重視する中国絵画の技法である楷画のいくつかの原則に基づいています。 彼は作品にグラフィティを組み込むことで、さまざまな読み方のレベルを作り出し、それがカリグラム効果を生み出し、「これらの動物種はそれぞれ、古い建物のように放置されることが多い」という考えを強調しています。 水彩画、インク、アクリル画、エアゾール画など、彼は絵画の感情の強さを高めるためにさまざまな材料を使用しています。 彼の作品の自発性と正確さは、フランスや海外のイベントで彼が実現する「ライブペインティング」ではっきりと見て取れます。 総合アーティストとして、彼は作曲や短編映画の制作も手掛けています。フランスのメディアKonbiniは、彼の映画「Allô」で彼を「le maître du twist」（ツイストマスター）と称しました。また、2016年には、ビデオクリップ「Freestyle」でBeGreen Film...
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サブリナ・ベレッタ
フランスの画家兼イラストレーター、サブリナ ベレッタは、彼女の姓のアナグラムである「Art et Be」というペンネームで絵を描いたりイラストを描いたりすることから芸術家としてのキャリアをスタートしました。少しずつ彼の欲望は高まり、インスピレーションはより明確になり、スタイルはより明確になってきました。サブリナ ベレッタは、作品を通じて 2 つの状態を提示することで、(脱) 構築、逆説、二元性、変容というビジョンを明らかにしています。これら 2 つの認識は、関連付けられていても、対立していても、最終的には存在しない対称性を示唆しています。グラフィック アプローチは、表面と多面の両方を明らかにする治癒現象に再び焦点を当てました。蝶の表現はサブリナ ベレッタでも繰り返し使用されており、特に変容と再生を呼び起こします。...
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サム・ギルモット
Sam Guillemot 別名 S4m は、パリ在住のフランス人独学アーティストです。彼の主な活動はカメラマンのチーフオペレーターですが、芸術的な環境で育ち、鉛筆や筆から離れたことはありませんでした。いくつかのテクニックを試した後、彼は数年前、テレビ用の作品を撮影しながら、ストリート アートの影響を受け、ライトワークから直接インスピレーションを受けて、新聞にボールペンで描いたポートレートの作品を作り始めました。サムは有名人や無名の人からもインスピレーションを受けており、顔の光が何かを表現しています。彼が描く紙は重要な役割を果たしており、多くの場合主題に関連しており、スナップショットと最初の目標が非常に短命であると思われるテキストの間に微妙な錬金術を生み出します。
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サム・ライアン
サム・ライアンはミシシッピ州グリュックシュタットの小さな町の出身です。当初は絵を描くことに専念していたサムは、夏期講習の費用を稼ぐために絵画に転向し、すぐにアート市場の可能性に気づきました。 サムは、フルタイムの芸術家としてのキャリアの実現可能性に対する懐疑心と疑念を克服し、Instagram を活用して自分の進歩を共有し、最終的に 12 万人を超えるフォロワーを獲得しました。 サムがアクリルや木炭アクリルで描いた象徴的な人物のユニークな大型肖像画は、大きな注目を集めています。 彼の作品はジョー・ローガン、モーガン・フリーマン、トゥルシ・ガバードなどの著名人によって共有され、アート界における彼の知名度と信頼性を高めました。これらのバイラルな瞬間は極めて重要で、サムの月間収益は 2 か月以内に 2 倍になりました。 Instagram...
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シェパード・フェアリー (OBEY)
フランク・シェパード・フェアリー (1970 年 2 月 15 日生まれ) は、スケートボード シーンから登場したアメリカの現代アーティスト、活動家、 OBEY Clothing の創設者です。...
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シスコ
謎に包まれた芸術家 彼のことを知っている人はほとんどいません。フェード アウトして自分の作品に代弁してもらうことを好むアーティストが完全に匿名であることを前提としています。 Ciscø は、紙幣の絵にちなんだアーティストの名前です。 オー・ド・フランス出身のこの青年は、子供の頃から芸術に惹かれてきました。彼の人生のある瞬間、彼はこのターニングポイントを喜んであなたに伝えたいと思いました. フランに対する彼の懐かしさ (2002 年以前のフランスの通貨統合) は、彼と彼の芸術をこの壮大な芸術的テーマに導きます。彼がカスタマイズした紙幣に加えて、彼は崇高な彫像が再訪されたことを発見しました。また、キャンバスに絵を描くことはめったにありません。 Ciscø は、ストリート...
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ショーン・フローレス
ショーン・フローレスは 1993 年にカリフォルニア州ロサンゼルスで生まれました。若い頃から、芸術に対する情熱は彼の人生に常に息づいていました。ロサンゼルスで育ったことで、彼はグラフィティとストリート アートの両方に強いつながりを持つようになりました。彼はこれを、感情のはけ口であり逃避であり、自己を振り返り、自己を探求する場所であるとみなしていました。 ショーンは2015年にファッション業界でキャリアをスタートし、有名クライアントのスニーカーにカスタムデザインを描き、その後「Hypebeast」や「Nicekicks」などのトップブログやウェブサイトで認知されるようになりました。すぐに自分のアイデアやデザインを表現することに興味があることに気づき、キャンバスやパネルの作品に移りました。 ショーンの現在の作品は、愛、富、成功という概念を探求する現代的な文脈で、鮮やかで複雑なパターンと懐かしいキャラクターで構成されています。彼の作品はサンフランシスコ、テルアビブ、シンガポール、ロンドンで展示され、世界中で収集されています。
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ジェイボーイ
私は JBOY です。ロンドン出身のあまり知られていないビジュアル アーティストですが、自分のアイデアを共有することで、活発すぎる心を落ち着かせることができます。良いアイデアもあれば、悪いアイデアもあります。この旅がどこへ向かうのか楽しみです。 私のインスピレーションはさまざまなところからやってきますが、たいていは最も都合の悪いときに現れます。若い頃は図書館からゲイリー・ラーソンの本を盗んで（後で取り返しました）、その後は美術学校でガイ・ビロウトについて学びました（写真を見ました）。明らかに、ある時点で私は偶然にアーバンアートシーンに足を踏み入れ、それ以来ずっとそこから抜け出そうとしてきましたが、ヘンリー・ザ・フーバーのように私を引き戻し続けるのです。基本的に、いくつかのインスピレーションの源が私を非常に折衷的なスタイルとアイデアの組み合わせへと導いてきました。私はただ、絵にふさわしいと感じるものを選んでいます。すべてが視覚的にうまく機能するわけではなく、私が 100% 満足しているアイデアだけが表示されます。多くは破棄されます (ほとんどのもの)。私は自分が強く感じているものについて視覚的に解説するのが好きで、気楽な方法で自分のメッセージを伝えるようにしています。 すでに述べたように、私は芸術のバックグラウンドが豊富ですが、私が最も誇りに思っているのは、9歳のときにティミー・マレットの叔父から製図を教わったことです。しかし、それ以来、状況はおそらく徐々に悪化していったと思います。匿名性は選択であり、神秘的な理由ではなく、好みによるものです。仕事の遂行には細心の注意と誇りが払われ、親切な人々は大切にされます。
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ジュリアン・デュリックス
ジュリアン・デュリックスは、1991 年生まれのヴィシソワの画家です。幼い頃から芸術的な環境に恵まれ、2012 年から本格的に絵画に専念しています。2 年間美術を学んだ後、すぐにより個人的な制作に着手しました。子供時代。象徴的なキャラクターは常に彼の絵と肩を並べてきました。呼吸するように絵を描く彼は、あふれる想像力を自由に操る色彩豊かな世界へ私たちを誘います。デュリックスが描くそれぞれの作品は私たちに物語を語ります。タンタンは自分のスノーウィーが風船に変わったのを見て驚き、ミッキーとミニーはタイムズスクエアで情熱的にキスをし、スーパーマンとバットマンはどちらが子供の心を掴むか競い合っています。 … ジュリアン・デュリックスは、登場人物だけでなく時代も楽しく混ぜ合わせて、私たちに夢を与え、老若男女が出会う彼の世界に引き込みます。この作家のアクリル画は、コラージュやプリントを一切使わず、丁寧にスケッチされています。彼のタッチの正確さは色を生き生きと引き出し、人物の特徴を強調します。わずか 28 歳にして、彼は尽きることのないインスピレーション、完璧に近いテクニック、そしてすでに認められている真の才能を発揮しています。こうして彼は、ポップアートの正当な後継者として現代アートの世界に自らを位置づけることになります。
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スクワク
SKWAK は、クロワを拠点とするフランスのアーティスト兼イラストレーターで、20 年以上にわたって彼の創造的な世界を発信してきました。 彼の創造的な世界には、「マニアック」として知られる彼のキャラクターが住んでいます。 それは色彩豊かで、時には少しクレイジーな世界です。 彼は自発的に絵を描き、無限の想像力を通して心を自由にさまよわせます。 SKWAK のイラストは、広大な遊び場への招待状であり、視聴者が毎日新しい詳細を探索して発見できる没入型の体験を提供します。 彼にとって最も重要な要素は、芸術愛好家を自分の世界に連れて行き、彼らの想像力を自由にさせるために、それが魔法であろうと、不条理であろうと、奇妙なものであろうと、物語を語ることです。 SKWAK のイラストは密度が高く遊び心もあり、見る人を魅了する常に進化する視覚体験を提供します。 絵、キャラクター、物語は、日常生活の観察だけでなく、物語、神話、ビデオゲーム、歴史、漫画、その他彼を取り巻くあらゆるものからインスピレーションを得て、彼の芸術的世界を育んでいます。...
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スヴェン
スヴェンは 1988 年にミュルーズで生まれたフランス人アーティストです。彼がグラフィティに熱中するようになったのは、何度も電車で旅をしているときに、線路や貨車、駅にグラフィティ アーティストが描いた絵をたくさん見たのがきっかけでした。地元のシーンでいくつかの出会いを経て、彼はグラフィティの世界に第一歩を踏み出しました。彼の技法は、フロップとトロウアップと呼ばれる丸い文字が特徴です。スヴェンは、自分の作品が誰にでも読めるものであり、何よりも、どこに行っても色彩をもたらすものであることを望んでいます。過去数年間、スヴェンはキャンバスやテクスチャに取り組んでおり、レイヤーを重ね合わせながら、常に読みやすい丸い文字を維持しています。 彼は他のアーティストと協力して、ローレンス・ドレアーノやデイヴィッド・ゼラーの彫刻など、私たちが予想もしなかった場所にグラフィティを描き出しています。 彼はTVCとSCHLAGERというグループに所属しており、一緒に展覧会やインスタレーションを企画しています。
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スーパーA（ステファン・セレン）
ステファン・セレン/スーパーA 1981年、オランダステファン・テレンの反スーパーヒーローとしてのアイデンティティであるスーパー A はオランダのアーティストで、伝統的な絵画技法とデザインのコツを駆使して、おなじみの図像を操作して心を揺さぶるような好奇心をそそる作品を生み出す作品を生み出しています。彼の分身であるスーパー A は、ステファン セレンの人生と観察を蒸留し、インスピレーションに変えるフィルターです。彼の作品はすべて、個人的な経験や考えから発展し、フィクションとノンフィクションの間を綱渡りする概念へと成長します。 『スーパー A』は、ステファン セレンの物語のほとんどをアートに頼ったミステリーで、黄色のレンガの道を歩く不思議な世界に視聴者を連れて行きます。そこでは、セレンの具象的で現代的なシュルレアリスムの構図が、解読するための遊び心のあるパズルを提供しています。
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ターシャ
フロリダ州マイアミに拠点を置くターシャは、フランスとセルビアの子孫で、独学のアメリカ人女性抽象画家です。正式な美術の訓練を受けていないにもかかわらず、彼女は幼い頃から絵を描くことに情熱を持ち、それ以来、実験と献身的な努力を通じてスキルを磨いてきました。ターシャの作品は、鮮やかな色、大胆な筆運び、ダイナミックなテクスチャーを特徴としており、彼女の経験や感情を反映した独特の視覚言語を生み出しています。彼女の絵画は、マイアミの賑やかなエネルギーからフロリダのビーチや森林の自然の美しさまで、彼女の周囲の環境からインスピレーションを得ています。芸術的成長を求めるターシャは、自分の作品を発表し、地元のアートコミュニティと関わる機会を積極的に探してきました。彼女はいくつかのグループ展に参加し、マイアミや他の都市のギャラリーで個展を開催しました。彼女の作品は、その独創性、エネルギー、感情の深さで広く賞賛されています。成功にもかかわらず、ターシャは自分の芸術に専念し続け、彼女の芸術的ビジョンの限界を押し広げ続けています。彼女は常に新しい技術や素材を試し、新鮮で示唆に富む、意味のある作品を生み出すよう努めています。今日、ターシャはマイアミで最もエキサイティングで才能のある抽象画家の一人とみなされています。彼女の作品は国内外の個人および企業のコレクションに収められており、彼女のユニークなビジョンとスタイルで観客にインスピレーションを与え、魅了し続けています。
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ダル
ダルは、ダイナミックなフランスの画家で革新的なストリートアーティストとして知られており、現代アートへのユニークなアプローチで注目を集めています。彼は漫画家としてのキャリアをスタートさせましたが、エキレクティックで活気に満ちた都市アートの世界に魅了され、そちらに引き寄せられました。今日、彼は愛されるカートゥーン、ビデオゲーム、マンガから多様で象徴的なキャラクターを、木製の板や郵便ポストなどの予想外の媒体に描き出しています。 ダルのインスピレーションは、日常生活のリズムから高級ブランドの壮大さまで、さまざまな影響を受けています。彼の作品は風刺とオマージュの狭間を舞台に、おなじみのポップカルチャーのキャラクターを華やかな背景に溶け込ませています。その結果生まれる作品は、しばしば微妙なコミカルさと批判的なニュアンスを持ち、普通のキャラクターと非凡な環境との対比を楽しんでいます。 最近の作品では、ポップカルチャーのキャラクターを古典的なレイアウトにシームレスに統合することで、ヴィンテージ絵画に新たな息吹を吹き込んでいます。古いものと新しいものの驚くべき芸術的交差点は、視覚的に見事で考えさせられる対話を生み出しています。 ダルが選んだキャンバスのシンプルさは、彼が描く複雑でカラフルな世界と際立って対照をなしています。スプレーペイントとマーカーを組み合わせて、彼は漫画のイラストと都市アートの線を融合させ、鮮やかで目を引く傑作を生み出しています。 ダルは、一筆ごとに、慣習に挑戦し続け、アートと文化の異なる要素を遊び心を持って組み合わせ、美しく一貫した魅力的な新しいものに融合させています。
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ダンテアーケード
ダンテ・マルケス（別名ダンテ・アルケード）は、バルセロナを拠点とするスペインの都市芸術家であり、90年代にキャリアをスタートし、都市文化、アニメ、漫画に影響を受けたグラフィティを探求してきました。 彼は長年にわたり、大規模な壁画を制作するようになり、レトロな影響と現代的なビジョンを融合させた独学の独特のスタイルを開発しました。 彼の活気に満ちたスタイルは、ビデオゲームのアーケード美学と象徴的なポップカルチャーの参照を組み合わせ、支配的な物語に挑戦し、メディアが集団認識に与える影響を反映するディストピアのシナリオを作り上げています。 ダンテはノスタルジアと未来主義を橋渡しし、テクノロジー、記憶、文化の相互作用を探求しています。彼の作品は、古典と現代を融合し、古いトレンドを現代的に蘇らせる視覚言語を通じて、視聴者にメディアとの関係を再考し、新しい可能性を想像するよう促します。コンテクスト。 20年以上にわたり壁に物語を描き続ける ダンテ・アルカデは、20 年以上の経験を持つ有名な壁画家であり、スペインやヨーロッパのさまざまな都市に記念碑的な壁画を残してきました。彼の最近のキャリアで最も注目すべきプロジェクトには、次のようなものがあります。 • 2024年：イギリス最大級の都市芸術祭、サウスエンド・シティ・ジャムに出演。 200名を超える国際的なアーティストと共演。 • 2024年：フロリダ州マイアミのHive...
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デイブ・バラネス
賑やかな大都市の郊外で生まれ育ったデイブ バラネスは、自分を取り巻く都市文化に深く根付いていました。幼い頃から、彼は絵を描くことと視覚的な芸術性に対して揺るぎない情熱を示し、それが有機的に彼を落書きや都市壁の装飾的な壁画の領域を探求するように導きました。バラネスの作品は、複雑で色彩豊かな都市景観から浮かび上がるように見える、リアルな動物の生き生きとした描写が特徴です。鋭い角度と並置された柔らかな曲線を巧みに使用することで、印象的な目の錯覚を生み出し、彼の作品に奥行きと立体感を加えています。実物のような形と静的な背景とのコントラストが、彼の作品のインパクトを増幅させるのに役立ちます。バラネスはその並外れた才能を通じて、都市の中に自然界を難なく取り入れています。芸術に対するこのユニークなアプローチは、単なる文体の選択ではなく、人類と環境の関係についての強力な解説でもあります。彼の絵画は、テクノロジーの進歩を追求するあまり、社会が生きている世界とのつながりをしばしば無視してきたことを思い出させてくれます。デイブ・バラネスの心を揺さぶる、示唆に富む作品は、自然と人工の境界を超え、現代世界に対する説得力のある重要な反映を提供するため、アートコレクターとキュレーターの両方の注目を集めるのは確実です。
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デッキ・フィルマンサ
インドネシアの著名なアーティスト、デッキ・レオス・フィルマンサは、ポップカルチャーと現代アートを独自に融合させた作品で知られています。絵画、イラスト、パブリックアートの作品は国内外で高く評価されています。ジョグジャカルタのインドネシア芸術大学 (ISI) を卒業しています。デッキは、モンスターシアターや INTO MY WORLD などの個展を含む著名な展覧会で作品を展示し、インドネシアアートアワードや UOB ペインティングオブザイヤー (シルバー受賞) などの重要な栄誉を獲得してキャリアを積み上げてきました。Kustomfest などのフェスティバルへの貢献や、Ace...
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ナタリー・モラ
ナタリーは、アヌシーの芸術家一家に生まれ、クリエイティブな環境で十分に活躍することができました。幼い頃から、彼女は音楽と絵を描くという 2 つの情熱を結びつけていました。彼女の芸術への欲求は、広告グラフィック アートの研究を続けるために、彼女を最初にシャンベリに導きました。その後、イタリアのフィレンツェのボザールでの教育も終了したため、アヴィニョンとランスで装飾画の訓練を受けました。現在、オートサボアに戻ったこの完全で熱心な画家は、個人的な作品の開発の合間に時間を共有しています。彼女は、ボザールのアンバサダーおよび技術者として、フランス全土の数多くのワークショップで教え、活気づけています。ナタリーは何年もの間、さまざまな個人的で影響力のあるメッセージと関連付けるのが好きな色の作品に絵の研究を集中させてきました。通常、事前に紙に描いたスケッチから始めて、アーティストはそれに含めたい主題に応じて媒体を選択します。このように、彼女のアクリル絵の具とインクを使用して (彼女はブラシまたはナイフで適用します)、画家は、アメリカの画家ジャン=ミシェル・バスキア、メキシコの芸術家フリーダなど、彼らの献身と芸術によって彼女にインスピレーションを与えた有名人を不滅にしようと努めています。カーロまたはミュージシャンのジミ・ヘンドリックス。エネルギッシュで荘厳なナタリーの肖像画は、多くの技法をシームレスに融合させ、ポップ アートとストリート アートの美学の間で現代的な結果を実現しています。 インスタグラム フェイスブック
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ニコ・ダ・ロチャ
ニコ・ダ・ロチャ（ブエノスアイレス – 1973年8月） ニコ・ダ・ロチャは、南部の郊外とブエノスアイレス市の間で幼少期を過ごしました。絵を描くことは彼の人生の一部であり続けましたが、彼がアートの世界に足を踏み入れたのは2008年のことです。主に独学のアーティストとして、ニコは抽象芸術に焦点を当てたさまざまなワークショップを探求し、彼の作品を向上させるための技術や要素を深く掘り下げました。 2011年に、彼はドローイング、イラストレーション、ペインティングを融合し始め、最終的に独自で明確な個人スタイルを発見しました。彼のアートワークはアルゼンチンとスペインで広く展示されています。 ニコの鮮やかでダイナミックな作品は、グラフィティ、ストリートアート、ポップカルチャーの融合によって特徴づけられ、世界中のコレクターの注目を集めています。彼の作品は現在、アルゼンチン、スペイン、フランス、アメリカ、オーストラリアのプライベートコレクションの一部となっています。 絵画「アイム・バットマン」は、ニコの独特なスタイルを体現しており、大胆な色彩、表現豊かな線、遊び心のある強烈なエネルギーが融合して、印象的な視覚体験を生み出しています。
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ニヌ
ヴィルジニー・マリアニーの別名ニヌは、フランスのアルプ・マリティーム地方出身です。 子供の頃から、彼女は変身と新しいものの発見を楽しんできました。彼女の父親は彼女に何事にも好奇心を持ち続けることを教え、母親は自立して常に彼女のアイデアを自由に実行するように教えました。実際、彼女はオートバイや抽象芸術など、多くのテーマに情熱を注いでいます。 深刻なオートバイ事故の後、彼女は次の事故に専念するためにこの情熱を脇に追いやることを余儀なくされました…人生とアイデアに満ちた彼女は、最初はインテリアをドレスアップするためだけに作成し始めました。彼女は自分の作品を共有し、ギャラリーから作品の展示を求められています。 今後、彼女は彼女の芸術的世界を共有するために、オープニング、アート マーケット、展示会の数を増やしています。 インスタグラム公式サイトフェイスブック
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ネイサン・ウェグナー（ウェグス）
鮮やかな色彩、ポップ カルチャー、組織化されたカオスが、ウェグスという仮名で活動するネイサン ウェグナーの独特のアートワークで最高潮に達します。ミネソタ州で生まれ、後にフロリダに移住したウェグナーは、フルタイムのアーティストとしての現在のキャリアを追求するために退職する前に、FSU でスタジオ アートの学位を取得しました。 ウェグナーの作品は、経験豊富な芸術家の洗練と青春の思い出への懐かしさの両方を示し、時間の境界に生きています。子供の頃に父親が絵を描いているのを見て最初に触発されたウェグナーは、彼が見た漫画の大胆で生き生きとしたアニメーションに魅了されました。ウェグナーが彼の芸術と創造性が解き放つ自由と無限の可能性に感銘を受けたのは、高校時代に正式な美術教育に登録したときでした。 ウェグナーは大学で技術的なスキルを磨き続けましたが、22 歳の誕生日を迎える前に、芸術家としてのキャリアを築くための第一歩を踏み出しました。彼は自分のアートワークを視聴者と直接共有するためのプラットフォームを構築し、すぐに国際的なフォロワーを獲得し、米国、カナダ、およびヨーロッパの一部で作品を販売しました。フルタイムのアーティストとして活動してからわずか 1 年で、ウェグナーの特徴的なアート スタイルは、キャンバス上の作品だけでなく、ドル札やスニーカーなどのアイテムのカスタマイズにも拡大しました。シンプソンズやスポンジボブのようなポップ カルチャーの有名な人物から、ビットコインの人気のような現代の文化的イベントに至るまで、ウェグナーはさまざまな要素を融合させて新しい世界を創造しています。...
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バーナベ
1994 年にニースで生まれたピエール＝エマニュエル・ローマは、ポップアートとアーバンアートの新星です。彼は非常に若い頃から芸術の旅を始めました。子供の頃、彼は多くの芸術ワークショップに非常に興味を持って参加し、美術館訪問や美術展で幼少期から青年期を過ごしました。応用芸術の学士号を取得したピエール＝エマニュエルは、現在では BARNABE という名前で専門的に知られています。ポップ カルチャーや幼少期に得たさまざまな参考資料にインスピレーションを受け、彼は 2013 年に自分のエネルギー、人生の熱意、そして自発性を押し付けるキャラクターを通じてビジュアル アイデンティティを作成するという目標を掲げ、プロとしての道に命を吹き込みました。抽象化の最前線に位置することが多いですが、私たちの時代から自由にインスピレーションを得た彼の作品は、社会を反映しています。バルナベは、無限に複雑な物語を精緻に描き、それぞれの絵画において鑑賞者に解釈の自由を与えています。ピエール＝エマニュエル・ローマは、モナコ、シンガポール、ロサンゼルス、ニース、パリ、サントロペなど、世界中の最も芸術的でトレンディーな都市での数々の展覧会で多くの人にインスピレーションを与えてきました。
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バーベキューエン
BBQUEEN は、1975 年 9 月 25 日生まれのローマ生まれのアーティストで、創造的なキャラクター「混乱した猫」で知られています。 2017 年に誕生したこのキャラクターは、BBQUEEN を世界中の爽快な旅に連れて行きました。彼女は手描きのポスターやステッカーを通じてローマの壁に猫を連れて行き、自分の作品を他の人たちと共有してきました。 BBQUEEN はストリートが芸術表現の最も自然で表現力豊かな形式であると考えていますが、混乱した猫の世界もキャンバスに描いています。キャラクターの世界は混沌としながらも感情を揺さぶり、あらゆる階層の観客の共感を呼びます。混乱した猫は人間の弱さの象徴であると同時に、忍耐して自分を信じたいという願望も表しています。...
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バーン・フォスター
スペイン南部の海岸地帯出身のバーン・フォスターは、レトロで鮮やかな美的感覚で知られる、多方面で活躍する国際的なイラストレーターです。 彼の作品は、美学を最大の強みとし、資本主義の魅惑的な魅力をインスピレーションの源として、見る人をすぐに懐かしい気持ちにさせます。バーンは、80 年代後半のテレビ広告、映画、音楽など、幼少期の思い出が彼のスタイルと美学を刺激したと常に考えていました。 「時々、音楽を聴いて次のイラストを考えるきっかけになったり、イラストを描きながら特定の曲を思い浮かべたりするんです。まるでテレビの広告のように、私のアート作品と音楽が互いにつながっているような感じです」とバーンは言う。 イラストレーションに情熱を傾けていたにもかかわらず、バーンは2012年にデザインエンジニアとして働き始め、1年後にはエンジニアとして稼いだお金で自分のアート活動に資金を投じることを決め、イラストレーターとしての趣味が本格的な職業になりました。 彼は一度も美術の授業に出席したことがなく、ボブ・ピーク、斎藤正夫、空山基、永井博、鈴木英人など他のイラストレーターの技法や影響を受けながら独自の方法で学んでいった。 2013年から2015年にかけて、彼は小さな個人顧客や独立系ファッションブランド、またアルバムカバーやソーシャルメディアのプロモーションコンテンツなどから最初の依頼を受けました。しかし、ファッションや音楽業界の潜在的な顧客を引き付けたのは、ベルンの個人的なポートフォリオでした。なぜなら、彼はクライアントのために仕事をしていないときは、いつも余暇に自分のために絵を描いていたからです。 彼は個人的なプロジェクトを通じて、さまざまなテクニックを試し、ついに自分のスタイルを見つけました。 2019年、ベルンはファッション業界で働き始め、Nude Project、Reina Olga Beachwear、Filippa...
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パスカル・マーリン
独学で絵を学んだパスカル・メルリンは、さまざまな技法（鉛筆、ソフトパステル、油彩、水彩など）を試した後、自分に最も合ったアクリル画に落ち着きました。風景画や肖像画を中心に幅広く制作してきました。 2 ～ 3 年間、彼はアクリル絵の具を使い、テクスチャーを組み込んだミクスト メディア技法で抽象画に挑戦しました。このアプローチにより、色彩と空間構成にさらに慣れることができました。この期間、彼は展覧会で作品が呼び起こす感情と感情に焦点を当てました。絵画を通して、彼は探求を通じて得た光と深みを強調することを目指しました。その結果、色彩、形、複数の夢のような要素が爆発し、レリーフが感情の認識を高めます。 抽象表現の経験が豊かになった後、彼の作品の中でデッサンが再びその地位を取り戻しました。しかし、彼の作品には常に抽象表現の要素が存在します。 アーティストはキャラクターに新たな次元をもたらし、アクリル作品を生き生きとしてモダンでエネルギーに満ちたものにしています。
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パトリス・ムルシアーノ
パトリス ムルシアーノの芸術の旅は、伝統的な絵画とデジタル アートの革新の糸から織り上げられた活気に満ちたタペストリーであり、彼はそれを「ニュー ポップ」と適切に呼んでいます。ムルシアーノは、光と影の相互作用に魅了された初期の頃から、レンブラントやゴッホなどの巨匠からインスピレーションを得て、芸術的熟練に対する深い認識を育みました。 10代の頃、ムルシアーノは女性のフォルムに特に焦点を当てた写真撮影に挑戦し、最初の芸術的なヌード写真を制作しました。女性の美の本質へのこの探求は、彼のキャリアにおいて極めて重要な点となりました。彼の芸術的好奇心はそこで止まりませんでした。ムルシアーノは、ピカソやバスキアの作品に見られる、フィルターをかけられていない生の表現に影響を受け、「COURBISM」の先駆者となりました。 女性の特徴を意図的に歪めることを特徴とするこのユニークな絵画スタイルは、彼の進化する芸術的ビジョンを示しています。進路の途中で困難に直面したにもかかわらず、偶然の出会いがムルシアーノの創造的な輝きを再燃させ、彼の特徴的な「ニュー ポップ」スタイルを発展させました。この革新的なアプローチは、伝統的な絵画の触覚の深みとデジタル技術の無限の可能性を融合させています。 このレンズを通して、ムルシアーノは女性らしさの多面的な美しさを称賛するだけでなく、動物、特にポップカルチャーのテーマを掘り下げ、現代生活の鋭い脈動を反映しています。 ムルシアーノの独特の作品はアート界の影響力のある人物の目に留まり、ユニークな機会への扉を開き、現代アートシーンにおける彼の地位を確固たるものにしました。光と形の探求から「ニューポップ」の先駆者となるまでの彼の旅は、芸術の進化と表現の絶え間ない追求を強調しています。 米国の視聴者にとって、パトリス ムルシアーノは芸術における革新の先駆けとなり、伝統とデジタル時代をシームレスに融合させ、私たちの周りの世界を探求し、称賛します。
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ヒューヤオ
マンタナ・レルトコルンキチャ (HUUYAOW)子どもの頃、私は漫画を描くのが大好きで、芸術のない人生は想像できませんでした。ビジュアルコミュニケーションデザインを専攻し、ブランディングとホームスタイリングを専門とする自分のデザイン会社を設立しました。 子どもの頃の自分と大好きなウサギの人形を融合させた「HUUYAOW」は、2009年に初めて描かれました。長い休止期間を経て、2022年に再び絵を描き始め、1年で300点近くのNFTアート作品を制作しました。2023年にはHUUYAOWを彫刻やアートトイにまで拡大し、2024年には本物のキャンバスに取り組み始めました。 この復帰により、私は再び HUUYAOW の広大な世界を探索し、過去のインスピレーションと新しい芸術的冒険を組み合わせることができました。この旅は懐かしくもあり革新的でもあり、子供時代の思い出と現代芸術の形態が融合しています。
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ピチ＆アボ
ピチアボ(ピチ、1977 年生まれ、アボ、1985 年生まれ) のデュオです。スペイン、バレンシア出身のアーティスト。都市環境において絵画と彫刻の間のつながりを作り出すスキルで認められている彼らは、芸術的融合において徹底的に革新的なアプローチを採用しています。彼らの作品には、古典芸術と最も現代的な都市芸術のバランスの取れた組み合わせが見られます。ピチアヴォは当初から芸術的な個性を避け、ストリートとスタジオの両方で概念的に都会的な表現を使用して絶対にユニークな一連の作品を作成するために力を合わせました。彼らは美術とデザインの訓練を受け、バレンシアのグラフィティ アート シーンで出会い、2007 年に PichiAvo デュオを結成しました。その瞬間から、彼らは共同プロジェクトの開発に取り組み、独自のスタイルの絶え間ない探求を追求しました。これを達成するために、彼らは画家としてさまざまな段階を経て、最初はスキルとテクニックに重点を置き、最終的に自分たちを最も特徴づけるものである落書きと古典芸術を通じて自分自身を表現する必要があるという点に到達しました。 2015 年以来、ピチアボは、ヨーロッパの芸術家による最初の絵画介入となったニューヨークの伝説的なヒューストン バワリー...
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ピトゥ
芸術家一家に生まれたピトゥとして知られるジュリー・ロビラの生き生きとした表情豊かな絵画は、彼女が子供の頃から抱いていた創造的な展望を捉えています。マルチーグで生まれたピトゥは、幼い頃から芸術的表現の自由に惹かれ、絵を描き始めました。彼女の独学のスタイルは、抽象芸術から新表現主義にインスピレーションを得て独自のアプローチを作成し、彼女の作品をアート ブリュット運動の注目すべき部分として位置付けています。鮮やかな色、ダイナミックなパターン、表現力豊かなキャラクターを使って、ピトゥは大胆で好奇心旺盛な性格が自由に探求できる宇宙を作り出します。 生命の本質と私たちの世界についての新しい作品を始めるとき、ピトゥはしばしば自分自身に質問を投げかけ、絵画という視覚的な媒体を心理的および知的な練習の両方として使用します。かなりの作品を残した多作の画家であるピトゥの生の絵と哲学的なインスピレーションの融合は、彼女の支持者を急速に増やしています。 彼女の芸術的プロセスに実験的なアプローチをとっているピトゥは、単一の媒体に縛られるのではなく、アクリル、オイル パステル、スプレー ペイント、墨などのさまざまな媒体を混ぜ合わせています。彼女の探索的アプローチは、直感的で自発的な方法を使用しています。 ピトゥはしばしば、最初の数滴の色のしぶきとパターンのヒントを作品に取り入れ、常に自由で自然な表現を優先します。ピトゥは、フランスのピレネー山脈のコリウールにある自宅で生活し、働いています。
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ピョートル
ピエール・イグフは、わずか 30 歳で、Piotreというペンネームでよく知られていますが、この新世代のグラフィティ アーティストの一員であり、その地位は上昇し続けています。. カーン生まれのこの若いビジュアルアーティストは、常に早熟でした。多くの芸術家が常に芸術に情熱を注いでいたと誓うなら、Piotreの場合はその公式が適応されているように見えます。実際、カエン夫妻はすでに幼稚園の頃から、大きくなったら画家か製図家になると断言し、ピカソに関する本をねだります。少し後、彼はラ・リューシュ応用芸術高校に入学し、パリの美術・デザイン学校であるストラテ・カレッジを卒業しました。この何でも屋は影響力を蓄積し、スタイルをミックスすることを躊躇しません。こうして彼は、ポップアートとストリートアートを完璧に組み合わせるという見事な成功を収めました。. ピョートルの作品は、数例を挙げると、アンディ ウォーホル、ジャン=ミッシェル バスキア、キース ヘリングなど、20 世紀後半の巨匠たちから多かれ少なかれ明確に影響を受けています。 フランス語を話すときに頻繁に現れる形容詞は、依然として多動です。」Piotreは、メディアや使用される技術に挑戦するために、新しい挑戦をする必要があります。こうしてPiotreは、工房のキャンバスから街路のフレスコ画に簡単に移行します。時計職人ルイ・ピオンのような若くて楽しいイメージを求めて大手ブランドとコラボレーションしたり、都市から大規模プロジェクトの依頼も受けている（リヨン、リスボン、マラケシュ、マイアミ）。). この目覚ましい成功の秘訣は、一目でそれとわかるそのユニークなスタイルに集約されます。...
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フリークス・ザ・ファブ
FreakS the FaB は、リール集落 (フランスの都市) 出身の独学のストリート アーティストであり、作品と同じように人生においても寛大です。 本名はファブリス・プルヴィナージュ。彼は70年代初頭にカンブレーで生まれました。彼は幼い頃から絵を描いていましたが、彼の芸術の道は特殊です。 « 私は子供の頃から走り書きをしてきました。室内装飾画家である祖父に触発されて、色への愛情と彼の良い気分を確かに伝えてくれました。それは今日私の作品を占めており、有名な過度の笑顔と目を大きく開いていることで認識できます世界！ » 80年代の終わりに、彼はタグと落書きを発見しましたが、レタリングは明らかに苦手でした。...
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フロッグ
フロリアン・ガボリット、別名フロッグはフランスのアーティストで、「ガラスの人間」シリーズの制作で知られています。ポップ時代の 1984 年に生まれたフロッグは、幼少の頃から絵を描き、その後ナントのピヴォー学校でグラフィック デザインを学びました。 2020年、フロッグは「ガラスの人間」シリーズを開始し、色で満たされた透明なキャラクターを通じてグラフィックシグネチャーと世界観を確立しました。ガラスは人体を空虚で壊れやすい殻として表現し、色は感情、感情、知識、経験、そして各人をユニークにする価値観を象徴します。登場人物たちは、ますます過酷になる世界を反映したグレーの色合いの背景に設定されており、キャラクター同士や背景と対話して色や感情を共有します。フロッグは、鑑賞者による解釈の余地を残しつつ、比喩、憂鬱、希望のメッセージを作品に取り入れています。フロッグはまた、子供時代から大人になるまで私たちと一緒にいるキャラクターへのオマージュとして、彼らの子供時代を形作ったポップカルチャーのアイコンを再利用しています。彼らは自分たちの芸術的世界を拡大するために常に新しいインスピレーションを求めており、絵画やフレスコ画のために半分空か半分が入ったグラスを描くこともよくあります。その目的は、彼らの作品を共有し、他の人たちを彼らの世界の中にある象徴性を探求するよう招待することです。
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ブヨ ジョフレ
1990年にフランスのシャロン＝シュル＝ソーヌで生まれ育ったフランスのアーティスト、ジェフリー・ブイヨは、数年前から日本に拠点を置き、モノクロのアート作品を専門に制作しています。 彼は多文化的な背景に大きく影響を受けており、異なるスタイルや技術を融合させてユニークな作品を作り出すことを常に追求しており、非常にインパクトのあるシグネチャーを持っています。 ポートレートに情熱を注ぐジェフリーは、クリーンなラインと現代的な美学を特徴とする非常に独自のスタイルで一貫して成長しています。彼は、人物や物体を問わず、被写体やモデルの本質を捉え、それを彼のキャンバス上で体系的かつ個人的な創造的プロセスを通じて伝える方法を知っています。 彼の無条件の白黒の使用は意図的であり、視聴者が主題の形と質感に気を取られることなく集中できると信じています。 モノクロームを除いて、彼は常に自分自身を表現する新しい方法を探求し、アートの中で異なる要素を融合させて調和のとれた独自のバランスを創り出しています。
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ブルーノグラファー
ブルーノグラファーは、もともとブルーノという名前でしたが、フランスの絵のように美しいオートサボア地方出身の著名なイラストレーター兼画家です。彼は現在ストラスブールに住んでおり、2018 年にグラフィック デザインの修士号を取得した後、そこで創造的なルーツを築いています。2016 年に芸術の世界に足を踏み入れて以来、ブルーノグラッファーはソーシャル メディア プラットフォームを通じて自身の多様な作品や芸術的な旅を共有してきました。特にYouTubeとInstagramで。 2019 年 6 月に TikTok で自分の作品を共有し始めてから、彼の芸術的な軌跡は大きく後押しされ、彼のリーチと視聴者が大幅に拡大しました。ブルーノグラッファーの芸術性は、彼の楽観的な見通しと社交的な性質を反映した、鮮やかで活気に満ちたパレットによって特徴付けられます。彼のスタイルは、人に伝染する笑顔を持ち、社会的なつながりで繁栄する男性というアイデンティティを称賛するものです。彼の作品は、ポップ...
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ベファ
ベファ だった 生まれる で ソワソン （フランス） 1980年に。 彼は、オルタナティブカルチャーやポピュラーカルチャーに情熱を傾ける独学者です。 彼 生きる パリとポルトの間 （ポルトガル） 彼 始まった 彼の 美術 都市部の 美術 グラフィックアバターで 彼 拒否 いくつかの形式で: 落書き、 ステンシル、エアブラシ... アーティストは、この偽りのナイーブな別人格の背後に隠れ、 静かに 観察する 世界 彼の大きな、空っぽで不透明な目。 それ は BEFAの 視線： 慈悲深いが決して 信じやすい そして瞑想なしで 自己満足。 伝統的なポルトガルの芸術にインスピレーションを受けた スタイル は 特徴的な その 単純 形状、 明るい 色彩と幾何学模様。 ベース アバターに、 ベファ あえて 新しい フォーム、 新しい テクニック （スプレー缶、アクリル絵筆など） そして一緒に スタイル、素朴さと リアリズム、 想像 そして批判的思考。
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ベン・フロスト
オーストラリアの現代アーティスト、ベン・フロストは、大胆で無礼なポップアートの絵画でよく知られています。彼のポップカルチャーに対する即座に認識できる解釈は、世界最大のブランドの日常的な象徴をひねり出します。主流メディアの意味とメッセージを覆す、広告、エンターテイメント、政治に関するフロストの痛烈な批評は、挑戦的で物議を醸しています。 フロストは過去 20 年間にわたり国際的に個展を開催しており、個展はロンドン、ニューヨーク、シドニー、ロサンゼルス、トロント、シンガポール、ベルリン、マイアミ、トリノ、バンコク、サンフランシスコで開催されています。彼の作品は、BBC、ウォール ストリート ジャーナル、ヴォーグ、ハーパーズ バザー、ジャクスタポーズ、アドバスターズなど、数え切れないほど多くのメディア機関で取り上げられています。 最も有名なファッションコラボレーションには、ジェレミー・スコットとのモスキーノ2018年秋冬カプセルコレクションの制作、ミラノファッションウィークでの発表、キャロライナ・ヘレラとの提携による「212 Pop!」フレグランスの限定版リリースなどがあります。また、パール・ジャム、ロシニョール、マンボ、リヴィッド・ミュージック・フェスティバル、J&Bウイスキーとのプロジェクトにも携わっています。 展覧会のハイライトには、ブリスベン近代美術館、シドニーの MCA、ベルリンのアーバンネーション現代都市美術館での展示、そしてロンドンのサーチギャラリーでの「Pop the...
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ペガス
ペガズはディジョンで生まれたフランスのアーティストです。 彼は独学のアーティストで、一般的にビンセント・コワリクと呼ばれ、ストリートアートの中で自らを築き上げました。 グラフィティに魅了され、16歳の時に初めてスプレー缶に出会いました。ハイパーアクティブで生き生きとした想像力を持つペガズは、常に創作の必要性を感じています。 近年、ステンシルが彼の専門分野となりました。彼はポップアートの宇宙や、彼の子供時代に影響を与えたアニメやマンガを取り入れるのが好きです。 人々は、彼のメディアの多様性や、アニメやビデオゲームのキャラクターを自分のものにする方法に驚かされるのが好きです... 人々は知らず知らずのうちに、ビンセント・コワリクによって制作された作品を千の他の作品の中から区別することができます。
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ペンギーノ
ペンギーノは単なるアーティストのペンネームではありません。それは、彼女のアートワークの中心であるペンギンの気まぐれで冒険的な精神を体現する人物です。この特徴的なキャラクターは、さまざまな姿や設定で登場することで知られ、世界中の観客の心を魅了してきました。 アーティストのペンギーノは、彼女の鳥のミューズが人間の感情と歴史の広大さに遭遇するシーンを見事に作り上げています。古典的な芸術作品を再考する場合でも、新しい、優しい、またはコミカルな場面を演出する場合でも、ペンギーノの作品は、遊び心のあるペンギンがどの作品でも主人公である世界に視聴者を誘います。 彼女の作品は国内外のギャラリーで賞賛されており、そこではペンギンのキャラクターのユニークな存在が喜びと好奇心という世界共通の言語を語っています。それぞれの絵画はアーティストの豊かな内なる世界への窓であり、ペンギンの旅は私たち自身の鏡であり、冒険、文化、芸術のテーマを反映しています。 . ペンギーノは引き続きアート愛好家やコレクターの想像力を魅了し続け、彼女の名を冠したキャラクターがアート界の未知の領域をよちよち歩き続ける未来を約束しています。
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ホープ1393
Hope は、 Hope 1393の名でも知られる、フランス、パリ郊外の活気あふれる郊外、セーヌ サン ドニ出身の多面的なアーティストです。 1990 年代のカラフルでエネルギッシュな時代に、ホープはスケートボードやストリート アートが単なる趣味ではなく、自己表現の手段である文化にどっぷり浸かっていることに気づきました。スプレーペイントの缶と無限の創造性を駆使して、ホープはパリとその郊外の壁を急成長中のスタイルで飾りました。 新しいインスピレーションと風景の変化を求めて、ホープは南フランスに拠点を移しました。ここで、彼はグラフの米国文化に深く浸りながら、彼の工芸品が進化し、それが彼に大きな共鳴をもたらしました。この環境が彼の情熱をさらに刺激し、グラフィティやストリート アートのスキルを磨きました。 2017...
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ボテロポップ
ボテロ ポップのシルエットはユニークで、すぐに彼と認識できます。顔を隠す非常に高い帽子、楕円形のボディは、おそらくフェルナンド ボテロの寛大なフォルムとオスヴァルド カヴァンドリによるリネアの究極のクレンジングにインスパイアされたものです。 この背の低い男には、明確でシンプルな線があり、不必要な影のドロップはなく、軽薄な詳細はありません.彼の冒険を見ると、彼がキース・ヘリング、アントワーヌ・ド・サン・テグジュペリの王子、マイケル・ジョーダン、デュポン＆デュポン、ピカチュウ、ボウイ、スパイダーマン、そしてすべてのスーパーヒーローのファンであることがわかります… そして彼はまた、今日の世界で献身的なアプローチをすることによって、現在の出来事について話します.ボテロ ポップは、必要に応じて、集団的無意識におけるポップ カルチャーの強さを思い出させてくれます... 私たちは皆、コミック、映画、コンサート、漫画だけでなく、政治、シリーズ、憧れのスポーツ選手、着ることができるファッショナブルな衣装、象徴的なアーティストの記憶も持っています...子供またはティーンエイジャーとして。 この記憶は、すべてのボテロ ポップにすべての次元を与えるアクセサリーであるため、ほとんど何もなくてもよみがえります。彼はアイコニックなキャラクターになったり、コンセプトを 1...
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マシュー・サダーガスキ
マシュー・サデルガスキは、1994 年にカリフォルニア州サンバーナーディーノで生まれました。子供の頃、彼は漫画や漫画のキャラクターを描いていました。彼はすぐに、自分が見たものを模倣できることに気づきます。マットのアートへの欲求は、高校に入学したときにさらに強くなりました。その時、彼は肖像画から抽象表現主義に至るまで、さまざまな芸術スタイルを学びました。彼は顔を描くことに楽しみを見出しました。彼は、肖像画によって捉えられる生の感情があると信じていました。これらの肖像画により、彼は彼の芸術で賞や奨学金を獲得しました。彼はアートスタイルを改善するために大学に行くことにしました。彼は、アンディ・ウォーホル、シェパード・フェアリー、ジェームズ・ローゼンクイストなどの象徴的なアーティストから影響を受け始めました。それらを研究することで、彼はインフルエンサーから自分のスタイルを成長させ始めました。彼は明るい色とポップ カルチャーの人物で実験を始め、子供の頃のキャラクターやミュージシャンで抽象的な色を作成しました。彼は芸術へとさらに進化し始めました。大学で年月が経つにつれて、彼は描画部門で最高の芸術を何度も獲得しました。彼はまた、キャンパスの詩と芸術の雑誌にも掲載されました。彼の作品は、サンバーナーディーノとレイク アローヘッドでも展示されています。マットのアートワークは、肖像画、ポップ カルチャー、社会的論評を中心に進化し続けています。彼は、パステル、グラファイト、ボールペン、アクリル、マーカーなど、さまざまな種類の媒体を使用して作品を作成できます。アートに関するマットの哲学は、エドガー・ドガの引用で要約できます。 「アートはあなたが見るものではなく、あなたが他の人に見せるものです。」 インスタグラム
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マックス ライトブラック
タイ出身の20歳のアーティスト、マックス・ライトブラックは、7歳の若さで芸術への情熱を発見しました。兄が美術コンテストに出場するのを見て刺激を受けたマックスは、創作活動に魅了され、それ以来の彼の歩みを形作る芸術への愛に火をつけました。彼の作品は、好奇心と長年の練習で磨かれた洗練された技術を融合させ、幼いころのインスピレーションとの深いつながりを反映しています。 2004 年生まれのマックスの芸術的歩みは、自己表現の飽くなき追求と意味のある作品を作りたいという願望によって特徴づけられています。タイで育ったマックスの環境は彼のスタイルに影響を与え、作品に文化的な深みと活気を吹き込んでいます。今日、マックスは情熱をもって観客とつながり、他の人が自分の創造性を探求するよう刺激を与えながら、限界を押し広げ続けています。
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ヤニック・アーロン
ヤニック アーロンは、1985 年にパリ郊外の歴史的な町フォンテーヌブローで生まれ、パリの都市の広大な放棄された空間にある落書きの魅力に刺激されて、1997 年に芸術の旅を始めました。独学で先見の明を持ったアーロンは、ストリート アートの反抗的な精神と古典主義の正確さ、ポップ アートの活気を融合させて、彼がスクリーン アートと呼ぶものを作り上げ、アートの世界に独自のニッチ市場を切り開いてきました。.” この革新的なスタイルはデジタル時代の影響を反映しており、スプレー ペイントやアクリル絵の具から油絵具、釉薬、エアブラシに至るまでのさまざまなテクニックを使用して、色、幾何学的な形、ポップ カルチャーの参照を融合してまとまった全体にする複雑な構成を作り上げています。e. アーロンの作品は、象徴的なビデオ ゲームのモチーフを含むさまざまな要素をアートに織り交ぜ、折衷的かつ統一されたダイナミックさを作品に吹き込む彼の熟練の証です。...
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ヨアン・ボンネビル
アーティスト名 YBA で知られるヨアン・ボネヴィルは、わずか 20 歳でフランスの著名な画家としての地位を確立しました。 YBA の独特のスタイルは、アクリル、エアロゾル、コラージュ、さらにはデジタル作品などの技術を組み合わせた、アーバン アートやポップ アートからインスピレーションを得ています。彼の作品には顔が描かれることが多く、彼が街路や現代社会で観察する世界を反映しています。 YBA のアプローチは、実験とさまざまなテクニックの組み合わせを特徴とし、その結果、簡単に分類できない現代アート スタイルが生まれました。正式な芸術的訓練を受けていない彼は、独学での修行を大切にし、独自の芸術的アイデンティティを創造しようと常に模索しています。...
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ラインストリート
通りで私を見つけて、養子にして、共有してください！」ラインストリートの旅人画の素晴らしいコンセプトです。リヨン出身でノルマンディーに住むこのフランス人アーティストは、2017 年以来、150 点以上の小さな絵画 (20 cm) を世界中に落としてきました。アートの各作品は、「BOU」と呼ばれる色とりどりの小さなお化けで構成されており、Line-Street が編成しています。 Line-Street は、ストリート アートへの愛に後押しされ、カラフルで面白いコラージュを貼り付けることで、フランスの都市の壁にコンセプトを拡張しました。 絵画やコラージュによるアプローチが何であれ、アーティストは通りすがりの人に積極性、驚き、喜びをもたらそうとしています。次回はフランスで、目を開けて、都市に広がる BOU...
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ラシッド・ロットフ
Rachid Lotf はコンセプト アーティストです。 手段が何であれ、彼の芸術は常に彼の個人的な旅の現れでした.彼は、人々が子供時代を追体験し、思い出を大切にし、現在の生活を楽しむことを奨励するアートを制作しています。 1984年生まれ、幼い頃から絵を描き始める。彼は常に芸術とすべての創造的なものに情熱を注いでおり、練習を通して非常に簡単に独学することができました. 彼は最初にアニメのキャラクターを描き、その後グラフィティに出会いました。その後、ビジュアル アートを学ぶことを決意し、シルクスクリーン印刷とモバイル ゲーム デザインのキャリアをスタートさせました。 Mirror's Edge...
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ラ・ポイント
1993 年にショーレで生まれたラ ポワントは、独学のアーティストです。心臓の一部を失ったラ・ポワントは、ストリング・アートの技法に身を委ね、その名が「ラ・ポワント」となる。彼の想像力、そして世界から逃れたいという芸術的な乳液の中に閉じ込められた彼は、キャンバスに向かう前に紙の上に初めての水彩画の作品を制作するよう駆り立てられました。アーティストはストリートアートの扉を開き、自分のスタイルを見つけるためにしばらく街を歩きます。彼の超越的なアートへの取り組みは、ポジティブなメッセージを持った作品を提供したいという彼の願望によって昇華されています。罰として無限に唱えられた反復的な文字が生き返る。数多くのギャラリーで展示されているラ・ポワントは、「愛」というユニークで統一感のあるメッセージを広める、インスピレーションとインスピレーションを与えるアーティストです。
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ルーシー・コート
ルーシー・クルテスは1991年に地中海沿岸で生まれました。 彼女は19歳までそこで幼少時代を過ごし、その後パリに行き防腐処理の勉強と実習をし、昨年、南フランスに小さな家族とともに定住するために戻ってくることを決意した。 彼女は常に創造的な面を持ち、造形芸術にある種の魅力を感じていましたが、絵を描き始めたのは人生のこの時点でした。 彼女は何事にも情熱的で、執念深く、最近学校に戻り、趣味でも仕事でも同じように自分を表現できるようにクリエイティブなキャリアを目指しています。 さまざまな技法を試して実験したいと決心したこの独学アーティストは、今日、ほとんどが白黒で構成された彼女の世界を発見するようあなたを招待します...少なくとも今のところは!
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レスリー・ヴァラード
フランス南西部出身のレスリーは、情熱的で熱心な画家です。 独学でダンス、写真、旅行を通して芸術的感性を磨いています。 彼女はポートレートと抽象的な主題の両方を探求しています。 2020年にニューヨークで初の展覧会を開催して以来、彼女は数多くの賞や展覧会を受賞してきました。
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ロバート・ザビエル・バーデン
ロバート・ザビエル・バーデン 彼はノースパークを拠点に活動する注目すべきカナダ人画家であり、その芸術への細心の注意を払うことで最もよく知られています。彼の大規模で労働集約的な油絵は、完成までに最大 2,000 時間、場合によっては 3 年かかることもあり、芸術の世界で比類のない情熱と取り組みが体現されています。 トロントで育ったバーデンの子供時代は、おもちゃと絵を描くことが大好きでした。幼い頃、彼はアニメーションでのキャリアを夢見ていましたが、手描きからコンピューターアニメーションへの移行により、彼の道は変わりました。彼は最終的に美術史を追求し、オンタリオ州のクイーンズ大学で学士号を取得しました。芸術への愛情をさらに深め、サンフランシスコに移り、サンフランシスコ美術館で美術修士号を取得し、その後同大学の教員になりました。 卒業後、バーデンは当初、比喩的な作品と抽象的な作品の両方を制作しました。しかし、彼の芸術活動における画期的な出来事は、子供時代のおもちゃが入った箱を再発見したときに起こりました。幼少期の記憶にあるおもちゃの神聖さと、今では一見安っぽく見えるおもちゃの並置に衝撃を受け、彼はインスピレーションを見つけた。これが彼のシリーズ Relics の誕生につながり、マテルのバトルキャットという幅 9 フィートの絵画から始まり、フランスのルネッサンス様式の背景にプラスチック製のおもちゃのトラを並べました。rop....
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ロームカウチ
RoamCouch として知られる Ryo Ogawa は、1976 年に岐阜県で生まれました。ストリート アーティストです。幼少期から日本の漫画に影響されて絵を描き始め、18 歳のときにデザイナーとして働き始めました。 その後、彼は重い病気と診断され、人生とキャリアを考え直すことになり、アーティストになろうと決心しました。2011年、現在は「RoamCouch」と呼ばれている彼は、フルタイムのアーティストへの転身を開始しました。 50層以上の手作業で切り抜いたステンシルを駆使して精巧かつロマンティックな作品を制作し、国内外の個展やグループ展で発表。緻密で深みのあるステンシル画は、従来のステンシルアートのイメージを一新した。 2014年にはニューヨークで初の個展「A Beautiful...
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ヴァレリアン・ルヌード
ヴァレリアン・ルヌードは、VALÉ として最もよく知られ、さまざまな文化やコミュニティの本質を捉えることへの情熱が作品に表れている現代のストリート アーティストです。 1990 年にフランスで生まれたヴァレは、世界中を旅した経験が彼の素晴らしい作品の基盤となっています。 彼の作品は、伝統的な肖像画とカラフルなストリートアートの美学を融合したもので、レンズを通して自身の経験や考えを表現しています。文化に加え、ヴァレは絵画で世界の問題を表現することにも力を入れています。子どもの権利、紛争地域の平和、環境の持続可能性は、意識を高め、前向きな変化を促すことを目的として、彼が情熱的に描く繰り返しのテーマです。 ヴァレの肖像画は、生命の活気を讃え、行動を呼びかけるものであり、私たちが共有する遺産と経験を保存することの重要性を思い出させてくれます。さらに、ヴァレリアンは社会的なプロジェクトやコミュニティ活動にも取り組んでいます。地域社会と協力して、彼らのユニークな物語を啓発し、祝福する そして文化。 彼は主にスプレーペイントを使用しており、多数の手作業で切り取ったステンシルでイメージを重ね、ブラシ、パレットナイフ、オイルパステルで装飾されたダイナミックな作品を制作しています。 彼が大規模な壁画を制作している場合でも、街の壁に即興で描いたストリートアートを制作している場合でも、ヴァレの作品は、より親密なキャンバスに描かれているが、都市の風景に色彩と生命をもたらし、周囲の世界の本質を捉える能力に特徴がある。彼は芸術を通じて人々を結びつけることに全力を尽くしています。ヴァレリアンは世界中のギャラリー、社会プロジェクト、フェスティバル、ブランドとコラボレーションしています。 彼の作品はフランス、モナコ、アメリカ、オーストラリア、日本、ノルウェーで見ることができます。オランダ、スペイン、メキシコ、アルゼンチン、チリ、コロンビア。 彼はフォーブス、ストリートアートNYC、コンビニ、セ・デ・ラール、カルチュラ・コレクティバなどで取り上げられ、BMW、ジャガー・ランドローバー、モンタナ・カラーズ、サンタンデールなどのプロジェクトを委託されている。
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ヴァレリー・マーティ
ガロンヌ川のほとり、ピンク色の街、運河沿いの地区… 70 年代に育った私たちの地域の牧歌的な風景、ヴァレリー マーティ、長くつ下のピッピのような束を持ついたずらっ子。この生き生きとした創造的な精神を育むのはこの環境であり、形、絵、空間の美しさに対する明確な好みを示しています… 夢を実現するための道筋をまだ決めかねていた彼女は、思春期に建築学校に入学しました。彼女のキャリアは近くのタルヌ・エ・ガロンヌで形成され、そこで彼女は建築業を始めました: 図面、建設設計、最終的にはモントーバンの女性起業家になり、そこで彼女は新しい技術を開発することに喜びを感じたコピーショップの責任者になりました。デジタル版。 1999年は骨折の年…。この苦難の年月の間に、彼女は自分を充実させる方法を見つけました。芸術、創造性、芸術的表現への情熱により、彼女は彼女を受け入れ、経験したこと、感じたことを表現することができます…彼女は2000年にクリスチャン・アンドレ・アクイエのワークショップを統合し、そこで自信と必要な経験を獲得しました。自己啓発。 彼女の技術は洗練され、仕事はより正確になり、ツールは物事を変えます…彼女の彫刻やドローイングは、不可逆的な手の反射、聖痕です。曲がりくねった 2 つの房に囲まれた細身のフォルムは、人生の試練だけがその道のりに残るという遊び心を表現しています。折衷的なアーティストであるヴァレリー・マーティは、自分の道を見つけることができます。それは、充足感につながり、世界に何の理由もなく戻ってきます。
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ヴァン・ダム・ワン（ダニー・J・マルティネス）
イリノイ州シカゴの南郊外に生まれ、 ダニー J. マルティネス、別名ヴァン ダム ワンは、リアリズム、イラスト、漫画、コミック、不条理の間の境界線を曖昧にして、見る者をそれぞれの作品に引き込む具体的なシュールレアリズムのブレンドを生み出すアーティストです。 さまざまなジャンルや媒体にわたる彼の作品は、世界の普遍的理解と個人的理解の両方に焦点を当てた伝統的なマーク作成テクニックと現代的な主題を融合させています。 彼は、このシュールレアリスムの融合を自己発見の手段として使用し、彼自身の経験とコミュニティの経験を利用して、複数の視覚媒体を通じて感情とストーリーテリングを伝えます。
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ヴィンセント・バルドゥ
Vincent Bardou は経験豊かなフランス人アーティストで、その作品は国中の賞や展覧会で取り上げられています。絵画を自分自身を近代化する方法とみなしている彼は、芸術的創造の精神性を利用して、都市文化や落書きにインスピレーションを得た絵画を制作しています。彼は比喩的なスタイルと抽象的なスタイルの間で踊り、ポップ カルチャーの参照と大胆な色を織り交ぜて独特のスタイルを生み出します。 多面的なフランス人アーティスト、ヴァンサン・バルドゥは 1989 年にヴィトリー・シュル・セーヌで生まれました。 デザインから塗装まで ヴィンセント・バルドゥは幼い頃から絵を描くことに惹かれ、すぐに都市文化、特に落書きからインスピレーションを得ました。デザイナー兼製図家としてキャリアをスタートさせた後、2014年にアーティストとしての人生に本格的に専念することを決意し、ヴィトリー・シュル・セーヌを離れ南へ向かいました。 折衷的なアーティスト 抽象的なものから具象的なものへと容易に移行するヴィンセント・バルドゥは、繊細で均質な線が絡み合う大衆文化の登場人物を表現しています。好奇心と冒険心が旺盛な彼は、自分の技術を完璧にすることを決してやめませんでした。現在、キャラクターをアクリルで、背景をエアロゾルで制作しており、常に新しいプロセスを模索しています。...
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原田明夫
原田明夫は1974年生まれ。彼は幼少の頃から絵画の魅力に魅了されていました。この情熱を追求するために、彼は美術大学で油絵を学びました。キャリアの初期には油絵具の使用に重点を置いていましたが、乾燥に時間がかかるため、この技法では遅すぎると感じました。これにより、彼は他の表現手段を模索するようになり、自分のスタイルを模索する時期が始まりました。彼は最終的にアクリル絵の具を使用するようになり、ハンドドライヤーを使用してアイデアをより迅速に表現できるようになりました。当初、彼は日常環境に適応しにくい大判の作品や、「顔のない犬」など、暴力的で利己的であると受け取られる可能性のある絵画を制作する傾向がありました。しかし、子供の誕生が彼のキャリアの転機となった。彼は子供の反応を観察することから絵を描き始め、それがより外向きのスタイルを採用するようになりました。彼の作品は、マスキングテープを用いてハサミで切ったようなシャープなシルエットが特徴です。この技法は、彼の筆致に強力なエネルギーを捉えます。彼の絵は何層ものレイヤーを重ねることで、平面的でありながら奥行きのある空間を生み出し、不思議な雰囲気を醸し出しています。彼は多様なカラーパレットを使用していますが、トーンは抑制されており、その作品はまるで生活空間の一部であるかのように、生活空間にシームレスに調和しています。動物の形を使うことで、彼は現実と想像の間を行き来しながら人間の感情を描くことができます。これにより、彼の作品には詩的な性格が与えられ、見る人に笑顔を呼び起こし、静けさをもたらす独創的なアイデアに富んでいます。現在は作品の出版を中心に、壁画、アニメーション、絵本、パッケージなど、行政や企業、店舗からの依頼も多く制作している。
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宇野モヤ
モヤ・ウノ: 文化と媒体の融合 1972 年生まれの 51 歳の宇野モヤは、フランスのモンペリエにある芸術の拠点から現代の創造性の精神を体現しています。宇野は、10年間にわたって独学で修得した学際的なアーティストとして、現代美術の世界に独自のニッチ市場を切り開いてきました。彼の作品は、落書きの活気に満ちたエネルギーから彫刻の触覚的な魅力、そして写真の刺激的な力まで、印象的な幅広い媒体に及びます。 宇野の作品は影響力の交響曲です。彼は、ポップ カルチャーの鮮やかで常に進化する風景からインスピレーションを得て、それをポリネシア文化の非常に個人的な再解釈と融合させます。このブレンドにより、ヒップホップの美学との予期せぬ、しかし調和のとれた対立が生まれ、現代アートに新鮮な視点を提供します。 真の革新者である宇野が好む素材は、彼の芸術的ビジョンと同じくらい型破りなものです。持続可能性を重視する彼は、リサイクルされたスケートボード、スプレー缶、ボール紙、木製パレットなどの素材を巧みに再利用し、魅力的なアート作品に変えています。 彼の最新シリーズは、日本の漫画のページや原画から作られた魅惑的なコラージュのコレクションであり、国際的な評価を獲得しています。これらの作品は単なる芸術作品ではありません。ソーシャルメディアでの幅広い人気が証明しているように、それらは世界中の視聴者の共感を呼ぶ視覚的な物語です。 モヤ・ウノのアートは単なる視覚的な饗宴ではありません。それは異なる文化と芸術分野の間の対話であり、伝統と現代性が出会い、持続可能性が創造性と出会う世界を探索するように視聴者を誘います。彼のダイナミックで示唆に富んだ作品をマイアミの芸術愛好家に紹介できることを嬉しく思います。
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暗い
1996年パリ生まれのアーティスト兼抽象書道家。2012年から壁画の制作を、2016年からはペンでの制作を始めました。 ダークにとって、幼少期の最も楽しい思い出の一つにタイポグラフィがあります。タイポグラフィは、無限のインスピレーションと魅力の源です。書くことは、集団生活やコミュニケーションの構造における根源的な柱であり、多様性の媒体として機能します。 執拗な夢想家であるこの芸術家は、無意識のうちにバベルの神話を解釈し、作品を通してアダムの言語を真に再現しようと試みています。 ダークは、世界中の何十ものアルファベットの視覚的なタイポグラフィの特徴を綿密に研究した後、それらを自分のやり方で扱い、完全に使いこなすまで楽しんでいます。 彼の作品は、その形態が柔軟であるのと同様に、不一致の中の統一、多数性の中の結束、多様性の中の調和を表現する、普遍的なメッセージの担い手となります。 したがって、壁画の次元はその完全な意味を帯び、この前兆、すなわち違いの中の異質性を伝えるための理想的なサポートとなります。作品が喜ばれるか不快に思われるかに関わらず、アーティストは何よりも感情を呼び起こし、即興の鑑賞者に考えさせるよう求めます。 愛を込めて、ダークより。
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鼻
Vanessa Garza（ヴァネッサ・ガルザ）こそが、アーティスト名「Nez（ネズ）」の背後にいる活気あふれる存在です。彼女は、賑やかなシカゴ市出身です。彼女のアートワークは、「Studio Nez（スタジオ・ネズ）」というブランドアイデンティティの下で展開されており、最近の作品の多くでスポットライトを浴びる愛らしいシリアルボックスのキャラクターが特徴です。 このキャラクターは、彼女のシグネチャーアイコンとなり、誰もが持つ内なる子供の芸術家を祝福することに専念しています。明るい色彩と心温まるメッセージで、私たち全員の想像力を奨励しています。 Nezのアート作品は、伝統的なキャンバスやデジタルアートにとどまらず、街中に広がり、シカゴやその多様な地域（Lakeview、West Loop、Magnificent Mile、Oak Park、Pilsen、Berwynなど）にある壁画を飾り、都市の景観に永続的な印象を残しています。都市の風景を超えて、彼女はさまざまな地元の企業に創造的なタッチを加え、都市の芸術的な織物に彼女の存在を確立しています。 Nezの芸術的ビジョンを定義する遊び心と想像力を捉えたCafe Tola、Soho House Chicago、The...
